Aujourd’hui est la journée consacrée à lArt et j’ai décidé d’écrire un article sur l’une des œuvres d’art portugaises que j’aime le plus.

C’est l’œuvre la plus célèbre de la joaillerie portugaise, pour sa valeur artistique et sa signification historique: l’ostensoir de Belém, exposée au MNAA (Musée national d’art ancien) de Lisbonne.

Envoyée par le roi D. Manuel I au monastère de Santa Maria de Belém (mieux connu sous le nom de monastère des Hiéronymites), l’ostensoir de Belém est attribuable à l’orfèvre et dramaturge Gil Vicente.

Il a été fait avec l’or de l’hommage du Régulo de Quilôa (dans l’actuelle Tanzanie), en signe de vassalité à la couronne du Portugal, apporté par Vasco da Gama au retour de son deuxième voyage en Inde, en 1503, il est un bon exemple du goût pour les pièces conçues comme microarchitecture dans le gothique final.

Destiné à garder et à exposer l’hostie consacrée à la vénération des fidèles, il présente, au centre, les douze apôtres agenouillés, planant au-dessus d’eux une colombe oscillante, en or émaillé blanc, symbole de l’Esprit Saint, et, dans la partie supérieure plan, la figure de Dieu le Père, qui soutient le globe de l’Univers, matérialisant ainsi, au sens ascensionnel, la représentation de la Très Sainte Trinité.

Les sphères armillaires, symbole du roi Manuel I, qui définissent le nœud, comme pour unir deux mondes (le terrain, qui s’étend à la base, et le surnaturel, qui s’élève dans la structure supérieure), apparaissent comme la consécration maximale du royal puissance dans ce moment historique d’expansion océanique, confirmant l’esprit de la compagnie du roi qui était à jamais lié à l’ère de l’expansion maritime portugaise.

Un travail qui laisse vraiment sans voix pour la qualité artistique, les matériaux et la perfection de sa réalisation dans les moindres détails.

La MNAA préserve cette œuvre et de nombreuses œuvres représentatives de l’art portugais et international; un endroit que les amateurs d’art ne peuvent pas manquer. Encore mieux s’il est accompagné d’une historien de l’art amoureuse de ce musée 😉

Alors, qu’attendez-vous pour réserver une visite avec moi?

La production de produits en argile noire, produits dans le village de Bisalhães, dans la commune de Vila Real, est un procédé ancestral qui consiste à cuire les pièces fabriquées par des potiers dans des fours ouverts dans la terre.

Le processus de fabrication d’argile noire de Bisalhães, à Vila Real, a été inscrit sur la liste du patrimoine culturel immatériel qui doit être sauvegardé d’urgence par l’UNESCO.

L’inscription sur la liste de l’Unesco « motivera également la mise en œuvre d’un vaste plan de sauvegarde que la municipalité de Vila Real a idéalisé, allant de la formation des potiers à la certification du procédé et même à l’encouragement de l’émergence de nouveaux usages et conceptions. pour ce matériau unique « .

Le principal problème de cette activité est le vieillissement des potiers. Actuellement, il y en a cinq qui font de cet art leur activité principale et la plupart ont plus de 75 ans. Ceci est considéré comme un travail difficile et exigeant, utilisant des processus qui remontent au moins au 16ème siècle.

C’est, en fait, un travail de longue haleine qui passe par différentes étapes, du stockage et de la séparation de l’argile dans le ‘grenier’, au moment de la hacher, au tamisage jusqu’à la ‘auge’, où elle est mélangée avec de l’eau, jusqu’à la  » peis », conservés dans des endroits humides puis utilisés par les potiers qui doivent encore les ramollir et éliminer l’excès d’air. C’est ainsi que l’on réalise «l’embolado», savamment placée au centre de la roue basse, au rythme voulu par le potier, qui donne naissance aux pièces que l’on admire tant.

Ensuite, ils sont placés à l’air pour sécher, afin que les femmes puissent «gogar» (décorer), à l’aide de petites pierres, dessinant des fleurs, des feuilles et des lignes, ou d’autres motifs, dont elles peuvent représenter le goût ou l’inspiration du moment.

Vient ensuite la cuisson, l’une des principales étapes du processus, peut-être celle qui caractérise le plus la poterie de Bisalhães, car c’est à la même époque, dans des fours ouverts sur la terre, que les plats acquièrent la couleur noire caractéristique.

Après cette mission difficile, ils sont enlevés et refroidis, un par un, des merveilles petites, moyennes et grandes qui, avec compétence et connaissance, sont nettoyées de la poussière, avec des morceaux de chiffons soignés. Ensuite, ils sont placés dans des paniers, par les femmes, qui aident inlassablement dans tout ce processus, les transportant chez eux, afin de les préparer pour les stands de vente, nous atteignant deux types de vaisselle fantastiques: la soi-disant «  vaisselle Churra ‘(utilitaire), bols à four, plats de cuisson, couverts et vaisselle’ Fina ‘(décorative), bocaux , assiettes, etc.

Malgré toutes ces initiatives, ne reste-t-il plus que 5 potiers? Comment faire vivre cet art et comment attirer de nouveaux artisans vers cet art?

Au fil des décennies, la transmission des connaissances aux nouvelles générations (que ce soit au sein des familles villageoises ou dans les formations infructueuses menées) n’a pas été prise en charge par la communauté locale. C’est une réalité qui empêche de nouveaux artisans d’entrer dans cet art.

Le travail acharné du processus de fabrication de la Louça Preta de Bisalhães (transport, collecte des matières premières, préparation des pièces, processus de cuisson et de vente), la répartition traditionnelle des tâches, avec l’intervention des femmes, la petite valorisation sociale de cet art, conduire les unités de production familiales, principalement les jeunes générations, à émigrer, à la recherche de nouveaux modes de vie, le remplacement progressif des pièces d’argile noire par d’autres objets de fabrication industrielle, sont aussi quelques-unes des grandes raisons de l’abandon dans la production de Vaisselle Bisalhães. L’espoir vient de deux jeunes potiers prometteurs qui, avec leur persévérance, ont donné une continuité à toutes ces connaissances et dans lesquels, malgré des vicissitudes différentes, nous gardons la volonté de projeter ce que nous voulons tous, la continuité de la Poterie de Bisalhães.

Le Figurado de Barcelos est un art incontournable, se constituant comme l’une des plus grandes productions traditionnelles du Portugal, en raison de la pertinence que le travail de l’argile a acquise au fil des siècles et de son lien avec les gens et la région.

Cet art était principalement concentrée dans la partie nord-est de la ville, plus riche en argile et en eau.

Le Figurado est une production certifiée depuis 2008. Ce fait fait de Barcelos la première commune à certifier cette expression artistique populaire, qui est la racine identitaire d’un territoire qui cherchait à valoriser et affirmer son art unique.

La figuration assortie a été la désignation adoptée pour les pièces statuaires d’expression populaire, produites dans la région de tradition potière de l’actuelle municipalité de Barcelos, où elles s’adaptent de petites pièces entièrement modelées à la main, à des pièces produites dans de petits moules ou par des techniques mixtes utilisé dans cette production. Ce groupe comprenait également des pièces modelées à la main, sans moule, comme des harmonicas et des coqs. Les pièces commencées dans le moule et finies à la main, comme les musiciens et les bœufs, appartiennent au même univers. De la même manière, les pièces produites à partir d’une forme de base, soulevées sur le tour du potier et qui étaient également finies à la main, telles que les coqs de roue, les rossignols et les clairons, sont incluses dans ce groupe. Avec la même appellation de figuratif, les pièces produites en moule étaient encore connues, mais avec une finition naïve ou primitive.

La diversité de cette production est née des mains habiles des artisans qui reproduisent tout ce qu’ils voient et ressentent. Les thèmes sur lesquels cette production se reflète sont tour à tour la religion et les fêtes, le bestiaire, la vie quotidienne, diverses figures et miniatures. Dans ce contexte, il est important de mettre en évidence les pièces les plus caractéristiques de chaque thème. Dans le thème de la religion et des fêtes, les représentations des Christs et des Saints prédominent, ainsi que les pratiques religieuses. Le monde du fantastique, représenté par le bestiaire, présente des monstres, des démons et des figures déformées qui unissent le sacré et le profane dans le Figurado. Les représentations de scènes de la vie rurale, de l’artisanat, des métiers et des poupées dominent la gamme des pièces Figurado, montrant l’importance de la vie quotidienne comme source d’inspiration pour cette production. Dans la catégorie des figures uniques, apparaissent des pièces emblématiques, comme des coqs, des hérissons, des colombes, des bœufs et des chèvres. Entre autres, le célèbre Coq se démarque (vous pouvez lire mon post le 1er septembre 2020 https://lisbon-a-love-affair.com/2020/09/01/the-rooster-of-barcelos-how-was -ce-symbole-portugais-né /)

En ce qui concerne le mode de production, la modélisation, le moulage et le tournage sont les techniques utilisées dans la production du Figurado de Barcelos, utilisées seules ou combinées les unes aux autres, la modélisation étant la plus importante et la plus appréciée, puisque l’intervention personnelle de l’artisan est totalement ou pratiquement totale.

Enfin, vu l’identité du Figurado, il sera impossible de ne pas citer l’un des noms les plus charismatiques de cet art: Rosa Ramalho, la figure qui a attiré l’attention à travers laquelle cet art unique s’est répandu dans l’environnement le plus urbain et élitiste.

Rosa Ramalho a appris très tôt à travailler l’argile, mais a abandonné cet art pour se consacrer à sa famille. C’est lorsqu’elle était veuve, âgée de 68 ans et analphabète, qu’elle a commencé à produire les pièces qui la rendaient célèbre. Découvert en 1950 pour le collectionneur Alexandre Alves Costa lors de ses recherches sur l’art populaire. Ses œuvres sont dramatiques et créatives et font preuve d’une grande imagination à la fois.

Le Figurado de Barcelos, produit artisanal certifié, est actuellement l’une des plus grandes productions artisanales de la ville. Cette production a commencé comme une activité subsidiaire de la poterie, pendant leur temps libre et en utilisant de petites portions d’argile, de petites pièces ont été fabriquées pour que les enfants puissent jouer, à savoir des figures de personnes ou d’animaux où un sifflet ou des instruments de musique étaient placés à leur base. (ocarinas, rossignols, coucous, harmonicas, entre autres). Le Figurado de Barcelos se distingue de toute autre production, assumant des caractéristiques uniques, à la fois dans les formes et les couleurs. Si vous souhaitez voir la réalisation d’un figurado, je laisse cette vidéo ici.

https://youtube.com/watch?v=KcAB8Df6s8U

La « Cantarinha » de Guimarães est un cadeau largement offert dans la période de Saint Valentin, gardant ainsi vivante une vieille tradition qui est actuellement nourrie par les mains des maîtres de la poterie.

Selon la tradition, lorsqu’un garçon était prêt à faire la demande officielle en mariage, il offrait d’abord à la fille une petite Cantarinha, moulée dans de l’argile. Si le cadeau était accepté, la demande privée était officialisée et l’annonce des fiançailles ne dépendait que de la volonté des parents. Une fois le consentement donné, la Cantarinha servait alors à garder les cadeaux que le marié et les parents de la mariée offraient, à savoir des pièces d’or.

Actuellement, les petites chansons ne sont plus correctement utilisées pour demander un coup de main à quelqu’un ou pour garder des bijoux, mais sont supposées être des «gardiennes» de secrets et d’histoires d’amour. «Celui qui les offre, le fait à cause du symbolisme qu’ils contiennent», est fait d’argile rouge décorée de mica blanc.

Il y a les Cantarinhas Grandes, symbole d’abondance, d’avenir, d’espoir. Et le petites Cantarinha, symbole de la vraie vie, des incertitudes du futur et du petit bonheur du quotidien.

Cantarinha a été utilisé, ainsi que les foulards de la Saint-Valentin, (article du 14 octobre) comme symbole d’acceptation ou de rejet d’une demande de rencontre /engagement. S’il y avait consentement parental, les fiançailles étaient annoncées et la dot traitée, et les cadeaux offerts aux mariés étaient placés en Cantarinha (cordes d’or, croix, cœurs). Une autre version dit que des tirages au sort étaient placés à l’intérieur de la Cantarinha. La fille en prenait alors un au hasard qui correspondait à un cadeau. La Cantarinha des amoreux est le nom le plus courant, mais deux autres sont ajoutés: Cantarinha des cadeaux et Cantarinha de Guimarães.

Outre son importance en tant qu’objet de rencontre, qui est son grand attribut, la Cantarinha des amoureux est également un produit de poterie d’excellence en termes d’artisanat portugais. En argile rouge cuite pendant sept heures, et ornée de petits fleurs de mica émietté, il y a une élégance indéniable quand on la regarde, et on comprend pourquoi les filles qui ont reçu cet artefact dans leurs mains l’appréciaient très forte. 

Il est composé de trois parties: la Cantarinha de base, nettement plus grand, représentant la prospérité du couple; la petite Cantarinha au dessous de  celle-ci, sensiblement plus petite, symbolisant les problèmes auxquels toute paire de jeunes mariés ou de couples doit faire face; et enfin, le couvercle est réalisé avec un oiseau, qui, selon certains, est le gardien secret de la relation.

Lorsque nous visitons une ville portugaise, l’une des premières caractéristiques que nous observons est sous nos pieds. Je parle du trottoir portugais, véritable œuvre d’art en pierre qui avec divers dessins décore les villes portugaises.

Mais quelle est l’histoire et l’origine?

Il y a une histoire qui nous dit que le trottoir portugais provient d’un rhinocéros. Vous vous souvenez de Ganga, le rhinocéros blanc de D Manuel? Si vous ne le connaissez toujours pas, vous pouvez lire son histoire dans mon article du 29 octobre (https://lisbon-a-love-affair.com/en/2020/10/29/o-rinoceronte-do-rei/ )

Maintenant, tout commence avec l’arrivée du rhinocéros.

À l’occasion de l’anniversaire du Rhino qui ne sortait qu’une fois par an en hiver, le 21 janvier, une immense procession a été organisée qui descendrait dans les rues de Lisbonne pour montrer les nouvelles richesses du roi arrivé de l’orient. Dans cette procession, Ganga ne pouvait pas manquer, évidemment et pour que le rhinocéros richement ornementé ne se vautre pas dans la boue, se salissant lui-même et ceux qui l’entourent, D. Manuel a ordonné que les rues où passerait la procession soient pavées.

Les lettres royales du 20 août 1498 et du 8 mai 1500, signées par le roi D.Manuel I du Portugal, marquent le début du pavage des rues de Lisbonne, notamment la Rua Nova dos Mercadores (anciennement Rua Nova dos Ferros)

Il a été utilisé dans ce pavage de granit de Porto, mais son transport a rendu le travail coûteux pour les caisses du royaume, mais le Rhino le méritait

C’est ainsi que le trottoir portugais est apparu, plus irrégulier que nous ne le connaissons aujourd’hui, mais c’était son début.

Par la suite, le tremblement de terre de 1755 a détruit une grande partie de la ville et ses rues pavées avec elle. Mais ce n’est qu’en 1842 que Lisbonne verra à nouveau un trottoir reconstruit, cette fois avec des pierres calcaires, généralement blanches et noires, matière abondante dans la région. De cette manière, des pierres pratiquement cubiques ont été appliquées, c’est ainsi que nous les connaissons aujourd’hui et partout dans le monde où le Portugal a laissé sa marque.

Les travaux ont été effectués par des prisonniers, à la demande du gouverneur d’armes de Castelo de São Jorge, le lieutenant-général Eusébio Pinheiro Furtado.

Le dessin utilisé à cet étage était d’un contour simple (type zig-zag) mais, pour l’époque, le travail était quelque chose inhabituel, ayant motivé les chroniqueurs portugais à écrire sur le sujet.

Après le succès du contrat, des fonds ont été octroyés à Eusébio Furtado pour que les prisonniers aient également pavé la place Rossio, dans une extension de 8 712 m². Ce travail s’est terminé en 1848, avec des dessins honorant les découvertes portugaises, et est devenu connu sous le nom de Mar Largo. Cette mode s’est rapidement répandue dans tout le pays et les colonies, où d’authentiques chefs-d’œuvre ont été produits dans les zones piétonnes, ennoblissant l’espace public urbain, dans un idéal de modernisation des villes.

La Baixa de Lisboa change et la plupart de ses rues sont pavées de basalte, parmi lesquelles Largo de Camões en 1867, Príncipe Real en 1870, Praça do Município en 1876, Cais do Sodré en 1877 et Chiado , se terminant en 1894. Avenida da Liberdade ouvre en 1879 et en 1908, elle arrive enfin à Marquês de Pombal avec de larges trottoirs où de beaux et éblouissants tapis design ont été introduits, faisant de Lisbonne la ville de référence pour ce type de sol artistique .

Mais le trottoir ne se trouve pas seulement au Portugal. Au siècle. XV les territoires d’outre-mer d’influence portugaise ont également vu la pierre de la même origine bordent leurs rues

Cela était dû au fait que de nombreux navires partant pour ces destinations se vident, afin de revenir chargés de produits et de marchandises locales, et pour cette raison, ils doivent augmenter leur cargaison et garantir ainsi leur stabilité de navigation. La solution trouvée était de charger les navires portugais de pierre depuis Lisbonne.

Un exemple lointain de cette expansion du pavé portugaise est Macao – ancien territoire administratif portugais et peut-être le territoire en dehors du Portugal avec la plus grande surface de pavé. Les motifs des dessins sont, pour la plupart, des caravelles, des roses des vents, des coquillages, des poissons, des étoiles ou des vagues de la mer. Pas même après 1999, lorsque la souveraineté a été transférée à la République populaire de Chine, cette zone a diminué, au contraire, même aujourd’hui, ce type de chaussée est mis en œuvre, même par des artisans chinois, formés par des maîtres portugais.

Actuellement, on trouve encore d’anciens trottoirs portugais au Brésil, au Cap-Vert, en Angola, au Mozambique, en Inde ou au Timor. Ou même trouver de nouveaux exemples, comme en Espagne ou aux États-Unis

La technique

Les outils de falsification à l’aide d’un marteau, effectuent de petits ajustements dans la forme de la pierre et utilisent des moules pour marquer les zones de différentes couleurs, de sorte qu’ils répètent les motifs en séquence linéaire (frises) ou dans les deux dimensions du plan (motifs) . La géométrie du XXème siècle a montré qu’il existe un nombre limité de symétries possibles dans le plan: 7 pour les frises et 17 pour les motifs. Un travail de jeunes étudiants portugais a enregistré, sur les trottoirs de Lisbonne, 5 frises et 11 motifs, attestant de sa richesse en symétries.

Les techniques d’application du pavé les plus courantes se démarquent: l’ancien pavé portugais, caractérisé par l’application irrégulière de pierres; le marteau, similaire mais avec plus d’espace entre les pierres; le pavé portugais classique, qui a une application diagonale, selon un alignement à 45 degrés avec les murs ou les bordures; le pavé à la rangée, avec les pierres alignées en rangées parallèles; le pavé circulaire; le pavé hexagonal; le pavé artistique, qui se caractérise par l’application de pierres aux formes spécifiques et / ou le contraste des couleurs; le Largo Mar; le segmenté; l’éventail florentin; et la queue de paon.

Les dessins

Pendant longtemps, les dessins ont été réalisés par des amateurs avec beaucoup de savoir-faire, généralement basés sur des motifs traditionnels liés à la grande époque des Portugais – les Découvertes.

À partir des années 1950, certains artistes sont invités à concevoir des motifs pour le trottoir portugais.

De nos jours, le rôle des architectes est fondamental dans la conception des motifs à appliquer aux espaces en récupération, comme dans les anciens quartiers des villes portugaises.

Ce sont les maîtres eux-mêmes qui créent et développent de nouveaux types d’application de pierre en fonction du goût et du style professionnel.

En 1986, une école de artisans Calceteiros de Lisbonne a été créée par la Mairie de Lisbonne dans le seul but de former des professionnels, de leur enseigner les connaissances des maîtres anciens et d’assurer ainsi la «survie» du trottoir portugais.

L’origine du filigrane remonte au troisième millénaire avant notre ère en Mésopotamie. Les pièces les plus anciennes datent de 2500 avant JC et ont été découvertes dans l’Irak moderne. D’autres pièces, découvertes en Syrie, datent d’environ 2100 av.

Il est arrivé en Europe via les routes commerciales de la mer Méditerranée, où il est devenu relativement populaire dans les civilisations grecque et romaine. Les plus anciennes découvertes de bijoux en filigrane ont été faites dans l’Italie moderne et sont estimées à partir du 18ème siècle. Cependant, le filigrane continua son voyage et traversa les frontières vers l’Inde et la Chine. En Extrême-Orient, il était principalement utilisé comme élément décoratif et non comme bijou.

Mais en quoi le filigrane diffère-t-il des autres arts de la joaillerie?

De la manière avec laquelle différents fils fins dessinent des motifs et sont soudés ensemble afin de créer une pièce beaucoup plus grande. Aucun autre art de la joaillerie n’utilise une technique de fusion similaire pour joindre des fils d’or. Aujourd’hui, comme il y a des milliers d’années, les différents fils qui composent chaque pièce ne se rejoignent que par la chaleur, sans recourir à aucun autre matériau ou alliage.

Les plus anciennes pièces en filigrane découvertes dans la péninsule ibérique remontent à 2000 – 2500 avant JC, mais leur origine n’est pas claire. Peut-être que ces pièces appartenaient à des commerçants ou navigateurs originaires du Moyen-Orient et n’étaient pas fabriquées ici.

Uniquement sous le règne des Romains, au cours du siècle. II BC, l’exploitation minière a commencé à exister dans la péninsule.

Mais seulement des milliers d’années plus tard, dans le siècle. VIII, nous avons pu nous assurer avec certitude que le filigrane était développé et produit au Portugal. C’est avec l’arrivée des peuples arabes que de nouveaux modèles ont émergé et que, petit à petit, le filigrane de la péninsule a commencé à se différencier du filigrane d’autres parties du monde.

Le filigrane portugais représente principalement la nature, la religion et l’amour:

– la mer est représentée par des poissons, des coquillages, des vagues et des bateaux;

– la nature est l’inspiration des fleurs, des trèfles et des couronnes;

– avec des motifs religieux, on trouve des croix, comme la croix maltaise, et des reliquaires. 

– l’amour, bien sûr, est l’inspiration de tous les cœurs en filigrane.

Autres symboles emblématiques du filigrane portugais:

– Le cœur de Viana: un symbole de dévouement et d’adoration du Sacré-Cœur de Jésus. La reine Maria Ier était celle qui, reconnaissante de la «bénédiction» d’avoir reçu un fils mâle, a ordonné qu’un cœur soit exécuté en or.

Au fil du temps, le cœur a commencé à être lié à «l’amour profane», symbole de la connexion entre deux êtres humains. Il est devenu si populaire que les cornes d’abondance et les lignes du Coração de Viana ont commencé à être reproduites sur des mouchoirs et brodées sur tous types de tissus. Finalement, cela a amené la reconnaissance et la popularité du Coração de Viana à nos jours.

– Les boucles d’oreilles de la reine: il est quasi unanime que les boucles d’oreilles de la reine sont apparues au Portugal sous le règne de la reine D. Maria I (1734 – 1816). L’origine du nom, cela, semble remonter au règne de D. Maria II (1819 – 1853), qui portait une paire de ces boucles d’oreilles lors d’une visite à Viana do Castelo en 1852. Après cette visite, elles sont devenues populaires comme symbole de richesse et statut social et a remporté le nom de «boucles d’oreilles  de la reine».

– Les arrecadas: elles ont commencé à être les boucles d’oreilles de la population la plus humble et que les classes les plus privilégiées ont commencé à imiter. A son origine se trouvaient les pierres de Castrejas, inspirées du quart de lune.

Aujourd’hui, la fabrication en filigrane au Portugal est principalement concentrée dans les régions de Gondomar et Póvoa do Lanhoso. La proximité de la matière première – provenant, par exemple, des montagnes de Pias et de Banjas – a fait de la région l’un des noyaux les plus remarquables de la joaillerie portugaise. Aujourd’hui encore, en 2018, Gondomar est responsable de 60% de la production nationale de bijoux.

Une curiosité: l’or portugais est de 19,2 carats (l’or pur est de 24).

La région du Minho, au nord du Portugal, est connue pour la qualité de ses broderies, il n’est donc pas étonnant que ce soit l’endroit où la tradition du carré des amoureux a commencé.

On raconte que dans le passé, les filles du Minho en âge de se marier avaient l’habitude de broder leur trousseau, mais entre une pièce et une autre, elles brodaient secrètement un petit carré, généralement avec des vers d’amour et des dessins.

Ce carré était gardée avec elle jusqu’à ce qu’elle ait l’occasion de l’amener vers le garçon qu’elle aimait. Cela se produisait généralement aux messes du dimanche, quand elle le déposait «par distraction» à côté du garçon. Après la broderie, le foulard était donné au petit ami et le fait qu’il l’ait utilisé publiquement ou non, décidait le flirt ou pas. S’il acceptait, il mettrait l’écharpe sur son manteau du dimanche, le mettrait autour de son cou avec le nœud vers l’avant, le porterait sur le bord de son chapeau.

Sinon, l’écharpe reviendrait aux mains de la fille. Si par hasard, il acceptait, mais changeait plus tard de partenaire, il devait apporter l’écharpe, et d’autres objets qui lui appartenaient, tels que des photographies, des lettres, à son ancienne destinée.

Les foulards représentent le sentiment de la fille envers le garçon, dans lequel elle écrit de petits vers d’amour ou des symboles.

La tradition de cette pratique se situe surtout entre 1850 et 1950, en particulier dans les villes de Viana do Castelo, Guimarães, Vila Verde, Telões et Aboim da Nóbrega. L’écriture était marquée par des fautes d’orthographe, car, pour la plupart, les filles qui les brodaient étaient issues de familles modestes et qui avaient peu étudié.

Aujourd’hui, le foulard des amoureux est devenu un souvenir amusant et certains plus anciens, lorsqu’ils ne sont pas des objets de famille, sont exposés dans les musées.

Fondamentalement, le carré des amoureux est un carré fabriqué à partir d’un tissu de lin fin ou d’une écharpe en coton, brodé de divers motifs.

Étant brodés au point de croix, ces mouchoirs étaient très laborieux et prenaient beaucoup de temps, obligeant le «brodeur» à être très patient et prudent dans leur fabrication. Au fil du temps, d’autres types de points qui étaient plus faciles et plus rapides à broder ont été adoptés. Avec ce changement, la décoration initiale des foulards change, les couleurs originales du noir et du rouge donneront lieu à une série d’autres couleurs et autres motifs décoratifs. Cependant, l’objectif principal n’a jamais été  perdu.

On pense que c’est à partir de ces carreaux que les foulards de mariage beaucoup plus gros sont apparus plus tard, que la mariée portait sur la tête, ou qui enveloppait le bouquet, ainsi que les pochettes portées à la taille brodées de perles et de rubans de velours.

Heureusement, ce patrimoine n’a pas été oublié et, aujourd’hui, il reste l’un des symboles de la culture et de la tradition portugaises.

La tradition du carrelage au Portugal est non seulement ancienne mais aussi la plus représentative du pays. L’histoire raconte que elle a commencé quand, en 1498, D Manuel I Roi du Portugal a fait un voyage en Espagne et s’est émerveillé de la splendeur des intérieurs mauresques et des couleurs des revêtements muraux et des peintures murales.

Suite à sa volonté de construire sa résidence à l’image des palais visités à Séville, Tolède et Saragosse, la tuile est arrivée au Portugal. Le palais national de Sintra, qui servait de résidence, est devenu l’un des exemples les meilleurs et les plus originaux des premiers carreaux portugais, encore importés à l’époque des usines de Séville.

Malgré les techniques archaïques venues de l’étranger, ainsi que la tradition de la décoration islamique dans les exagérations décoratives de motifs géométriques complexes, son entrée au Portugal dénote une influence du goût européen en raison des motifs végétaux gothiques et d’une esthétique portugaise particulière.

Mais on commence par l’ordre: d’où vient le mot azulejo? C’est un terme arabe, azzelij, qui signifie petite pierre polie et est la désignation donnée à un artefact en céramique de faible épaisseur, généralement carré, étant l’une des surfaces vitrées à la suite de la cuisson du revêtement, appelé émail, devenant ainsi lumineux et étanche. Cette surface peut avoir une seule couleur ou avoir plusieurs couleurs, être lisse ou gaufrée.

Les motifs représentés varient entre les récits de circonstances historiques, la mythologie, la religion et divers motifs de décoration. L’empire portugais d’outre-mer a eu une influence importante sur la diversité des formes; formes et décorations assimilées d’autres civilisations.

Les carreaux portugais représentent l’imagination d’un peuple, son attirance pour l’histoire réelle et sa complicité dans l’échange culturel. La nouvelle industrie du carrelage est florissante avec les commandes de la noblesse et du clergé. De grands panneaux sont réalisés sur mesure pour remplir les murs des églises, couvents, palais, manoirs et jardins. L’inspiration vient des arts décoratifs, des textiles, des bijoux, des gravures et des voyages des Portugais en Orient. De grandes compositions scénographiques apparaissent, caractéristique marquante du baroque, avec des thèmes géométriques, figuratifs et végétaux de faune et de flore exotiques.

A la fin du XVIIe siècle, la qualité de production et d’exécution est plus élevée, il y a des familles entières impliquées dans cet art, et certains peintres commencent à s’affirmer en tant qu’artistes, commençant à signer leurs œuvres, entamant ainsi le Cycle des Maitres. 

Après le tremblement de terre de 1755, la reconstruction de Lisbonne imposera un autre rythme dans la production de carreaux standards, aujourd’hui appelés pombaline, utilisés pour décorer les nouveaux bâtiments. Les carreaux sont fabriqués en série, combinant des techniques industrielles et artisanales. A la fin du 18ème siècle, la tuile n’est plus réservée à la noblesse et au clergé, la bourgeoisie aisée fait les premières commandes pour leurs fermes et palais, les panneaux racontent parfois l’histoire de la famille et même de leur ascension sociale.

A partir du XIXe siècle, la tuile gagne en visibilité, laisse les palais et les églises aux façades des bâtiments, en étroite relation avec l’architecture. Le paysage urbain est éclairé par la lumière réfléchie sur les surfaces vitrées. La production de carreaux est intense, de nouvelles usines sont créées à Lisbonne, Porto et Aveiro. Plus tard, déjà au milieu du XXe siècle, la tuile entre dans les gares ferroviaire et de métro, et certains décors sont signés par des artistes de renom.

En pensant aux produits typiques du Portugal, on pense tout de suite au vin, comme le Porto ou le vin de Madère, ou aux splendides céramiques, aux azulejos, peints à la main qui ornent les maisons et les jardins.

Cependant, tout le monde ne sait pas que le Portugal est au premier rang mondial pour la transformation du liège avec 53% de la production mondiale. Dans la région de l’Alentejo, entre Lisbonne et la côte atlantique, 72% de la production totale de tout le pays est concentrée et des artisans qualifiés y travaillent le liège.

Qu’obtenez-vous du traitement de l’écorce? Pratiquement tout: casquettes, accessoires pour la maison, accessoires de mode, vêtements et chaussures, mais aussi sacs et sacs à dos, meubles et revêtements de sol.

Le liège est un produit 100% naturel, il est doux, résistant, polyvalent, recyclable, hypoallergénique et possède des propriétés thermiques conservant à la fois la chaleur et le froid.

Le liège est un élément tellement ancré dans l’histoire du Portugal que on retrouve des traces dans de nombreux monuments:

– Le Couvent  de Santa Cruz do Buçaco et le Couvent dos Capuchos de Sintra, par exemple, où les moines utilisaient du liège pour couvrir les murs et rendre l’environnement plus confortable et c’est ainsi que nous trouvons des cellules et des espaces communs avec les murs couverts de liège.

– Dans la basilique da Estrela à Lisbonne, vous pourrez admirer les crèches du 18ème siècle avec des figures en terre cuite sur des scénarios en liège.

– Les montants de porte, les fenêtres et les hublots du Chalet de la Comtesse  d’Edla à Sintra sont décorés avec des éléments en liège.

– São Brás de Alportel (Algarve), doit son développement à l’industrie du liège et est aujourd’hui située au centre de la Rota da Cortiça (la route du liège) à travers de belles forêts de liège.

La culture du liège est un art qui demande du temps et beaucoup de patience. Un chêne-liège met 25 ans à être productif et à pouvoir effectuer le premier « stripping » (extraction du liège). Entre un démasquage et un autre 9 ans doit s’écouler et seulement à partir du troisième nous aurons un liège assez compact et utilisable. Les planches de liège sont empilées à l’extérieur, puis bouillies et divisées en fonction de leur épaisseur et de leur qualité. Avec les meilleures planches, on obtient des bouchons naturels tandis que les planches de qualité inférieure sont utilisées pour les semelles de chaussures ou les bouchons pour les vins communs. Les arbres peuvent vivre jusqu’à 400 ans et assurer des récoltes pendant 200 ans.